从混音师的角度看HiFi~~以下全部为转帖内容。。。
声明：经过二次编辑，原文写作比较随性。我个人认为很有价值。
混音的理念
混音是为了实现一定目的而对音频进行的操作。
要学会混音，首先明确平面直角坐标系的概念（Y轴为电平或者看做能量值，X轴为该音色在不同频率段的能量分布）；然后明确不同的频率段在该音色中的听感和最终所需的听感，最后去调整。
混音常用标志有：
低切（以某一斜率，在频率点以下的频率衰减到没有；通俗点说就是把低频切掉）
高切（以某一斜率，在频率点以上的频率衰减到没有；通俗点说就是把高频切掉）
低频搁架（在某频率点以下的频率增益或衰减；通俗点说就是自某个频率点开始往低频方向都增益或者都衰减）
高频搁架（在某频率点以上的频率增益或衰减；通俗点说就是自某个频率点开始往高频方向都增益或者都衰减）
带通（在某一频率点附近增益或衰减，Q值控制“附近”的大小，Q越大影响范围越小）
斜率（就是曲线的倾斜程度）
扫频（当频率点在变化的时候就是扫频，扫频的目的是找到齿音点，并且在尽量不影响音色的情况下衰减）
EQ黄金定律：
1.如果声音浑浊，衰减250hz附近的频段
2.如果声音听起来有喇叭音，衰减500hz附近的频段
3.当试图让声音听起来更好，考虑用衰减
4.当试图让声音听起来与众不同，考虑用提升
5.不要放大原先没有的声音
频率引起音色的主观感受：
31hz 隆隆声，如闷雷在远处隆隆作响，感觉胸口发闷
65hz 有深度，所谓“潜的很深”
125hz 隆隆声，低沉的，如心砰砰直跳，感觉温暖
500hz 汽车喇叭声
1khz 打击声
2khz 咬碎东西的声音，踩的嘎啦啦作响
4khz 镶边，锋锐感
8khz 高频哨声或齿音，轮廓清晰
16khz 空气感
常用频点的作用
50hz，这是常用的最低频段。这个频段就是在迪厅外听到强劲的地鼓声的最重要的频段，也是能够让人为之起舞的频点。通过对它适当的提升，将得到令人振奋的地鼓的声音。但是，一定要将人声里面所有的50hz左右的声音都切掉，因为那一定是喷麦的声音。
70～100hz，这是获得浑厚有力的贝司的必要频点，同时，也是需要将人声切除的频点。记住，贝司和地鼓不要提升相同的频点，否则地鼓会被掩没掉的。
200～400hz，这个频段有如下几个主要用途，首先是军鼓的木质感声音频段；其次，这是消除人声脏的感觉的频段；第三，对于吉它，提升这个频段 将会使声音变的温暖；第四，对于镲和PERCUSSION，衰减这个频段可以增加他们的清脆感。其中，在250hz这个频点，对地鼓作适当的增益，可以使 地鼓听起来不那么沉重，很多清流行音乐中都在这样使用。
400～800hz，调整这个频段，可以获得更加清晰的贝司，并且可以使通鼓变得更加温暖。另外，通过增益或衰减这个频段内的某些频点，可以调整吉它音色的薄厚程度。
800～1khz，这个频段可以用来调整人声“厚实”的程度，或者用于增强地鼓的敲击感，比较适用与舞曲的地鼓。
1k～3khz，这个频段是一个“坚硬”的频段。其中，1.5k~2.5k的提升可以增加吉它或贝司的“锋利”的感觉；在2～3k略作衰减，将会使 人声变得更加平滑、流畅。否则，有些人的声音听起来唱歌象打架，你可以利用这样的处理来平息演唱者的怒气！反过来，在这个频段进行提升也会增加人声或者钢 琴的锋利程度。总的来说，这个频段通常被成为噪声频段，太多的话，会使整个音乐乱成一团，但在某种乐器上适当的使用，会使这种乐器脱颖而出。
3k～6khz，声音在3k的时候，还是坚硬的，就要适当衰减；至于6k，提升这个频点可以提升人声的清晰度，或者让吉它的声音更华丽。
6k～10khz，这个频段可以增加声音的“甜美”感觉。并且增加声音的空气感，呼吸感。并可增加吉它的清脆声音（注意：一定不要过量使用）。 PERCUSSION、军鼓和大镲都可以在这个频段里得到声音的美化。并且，弦乐和某些的合成器综合音色，可以在这个频段得到声音的“刀刃”的感觉。
10k～16khz，提升这个频段会使人声更加华丽，并且能够提升大镲和PERCUSSION的最尖锐的那个部分。需要注意的是，一定要首先确认这个频段内是有声音存在的，否则的话，所增加的肯定是噪声。
部分乐器的频率：
鼓：50–100Hz：Adds bottom to the sound
250–800Hz：浑浊不清的区域
8–12kHz：增加嘶嘶声
铙，钹，镲：250–800Hz：浑浊不清的区域
1–6kHz：增加临场感
6–8kHz：增加透明度
8–12kHz：增加亮度
贝司：50–100Hz：Adds bottom end
100–250Hz：增加圆满度
250–800Hz：浑浊不清的区域
800–1kHz：增加小音箱声音的强度
1–6kHz：增加临场感
6–8kHz：增加更高的临场感
8–12kHz：增加嘶嘶声
人声：100–250Hz：增加正面感
250–800Hz：浑浊不清的区域
1–6kHz：增加临场感
6–8kHz：增加丝丝声和透明度
8–12kHz：增加亮度
钢琴：50–100Hz：Adds bottom
100–250Hz：增加圆满度
250–1kHz：浑浊不清的区域
1–6kHz：增加临场感
6–8Khz：增加透明度
8–12kHz：增加嘶嘶声
电吉他：100–250Hz：增强主要部分
250–800Hz：浑浊不清的区域
1–6Khz：从混音中切除
6–8kHz：增加透明度
8–12kHz：增加嘶嘶声
吉他：100–250Hz：增强主要部分
6–8kHz：增加透明度
8–12kHz：增加亮度
弦乐：50–100Hz：Adds bottom end
100–250Hz：增强主要部分
250–800Hz：浑浊不清的区域
1–6hHz：听起来易碎
6–8kHz：增加透明度
8–12kHz：增加亮度
关于人声
一般把决定音高的频率叫做基频，比这个高的泛音部分叫做谐波，比基频低的叫做次谐波。
比如一个歌手发声一个标准音小字一组a，那么440HZ以下的次谐波其实会有很多，大多来自于胸腔的共鸣。这部分声音男声一般保留，女声一般切除。
影响音色的低切往往出现在女声身上。女声会低切到200HZ甚至更多，这样声音会去掉很多累赘，而符合传统审美燕语莺声的标准，声音会飘起来。很多人觉得女声高频的不断提升会带来轧耳朵，硬，招人讨厌的感受，那么尝试低切，控制女声的身体共鸣往往会有奇效。
同样8000HZ左右的人声摩擦感几乎已经成为一个商业唱片的标准必提频率，对这个频率一定要注意，当素材好的时候，在这个频率上做搁架提升才会有有质感和光泽，素材品质不佳，做提升的时候就会出现高频很碎，出现像玻璃碴子掉一地还踩了好几脚的感觉。
关于降低低频负载通过EQ来提升响度：
这个问题之前一篇大师级的翻译文章提到过。
比如把低切的位置慢慢上移，当到300HZ的时候音色开始有变化，那么就往回移动1/3把低切点放在200HZ。原因是其实在这个频率上还是有一部 分信号的，很多来自于物理噪音，这些信号虽然听不到，但是会挤占本就不多的HEADROOM，所以要在不影响音色的情况下去掉它。
这就是在提升响度环节低切的作用。
还有一种比这个更极端一点提升响度的做法。因为低频的负载会很大，对于低音乐器，比如地鼓和贝司，当单独调整好音色之后，如发现地鼓和贝司有很多的交集低频，那么低频就可以砍得更多而不影响听感，这也是为了响度。
关于使用EQ的链路设计：
常用的是复制轨道加EQ再加压缩。
这个做法在母带上也常见。简单的只做提升相对的齿音会得到放大，而且由于高频在人声的比例中变化很大，所以需要通过压缩得到一个很平滑而对齿音影响不大的高频。（在商业唱片中大量被使用）
关于先EQ还是先压缩：
首先并没有理论说明二者优劣。
支持先EQ后压缩的观点：觉得EQ的提升会对声音的动态产生影响（瞬态上），而需要让压缩来修正这部分影响。
支持压缩后EQ的观点：觉得压缩会影响频率的比例，而EQ可以修正频率。
还有做法戏称为汉堡包，就是EQ－压缩－EQ。其实就是结合了上边的优点于一身，但是对于处理要求太高。
关于EQ的风格和染色：
可以使用开放高频和紧凑的低频结合
关于流传已久的能衰减就不提升：
这个提议最早出现在模拟时代，因为EQ的提升会引起相位失真。
在数字时代，相位失真带来的染色反而是太少，少的让人无法接受。
其实这个理论在数字时代并不是一样的通用。这个时代，该衰减的衰减该增益的就大胆的增益。
